先日、福岡フローリッシュブラス（以下、FFB）の定期演奏会に足を運びました。
メンバーに知人がいるご縁で、
これまでも何度か参加しています。
知っている人がステージに立っているというだけで、
演奏会は少し特別なものになります。
始まる前から、なぜかこちらも少し緊張するのです。
福岡フローリッシュブラス（FFB）ってどんな団体？
FFBは、英国式金管バンド編成で活動しているブラスバンド団体です。
木管や弦楽器は入らず、金管楽器のみ。
いわゆる“ブリティッシュスタイル”の編成で、
本格的なブラスサウンドを届けています。
年に2回の自主公演を軸に活動されていて、
地域に開かれたかたちで音楽を発信されています。
詳しくは公式サイトまで
https://fukuokaflourishbrass.com/
金管だけ、と聞くと
「音が強すぎない？」
「単調にならない？」
と、最初は思っていました。
でも実際に聴くと、その印象はきれいに裏切られます。
金管“だけ”だからこその迫力
演奏が始まった瞬間、低音が床から立ち上がるように響きました。
お腹の奥に振動が届く感覚。
やっぱり、音に迫力がある。
そう感じるのですが、
それは単に“大きい”という意味ではありませんでした。
厚みがある。
層がある。
空気を押す力がある。
その上にコルネットやテナーホーンの高音が重なっていくと、
ホール全体がひとつの楽器のようになる。
金管だけなのに、ではなく、
金管だけだからこその一体感なのかもしれません。
迫力の中にある「余白」
初めて参加したときは、
「すごい」「迫力！」という印象が強く残りました。
でも何度か聴くうちに、
少し違うところに耳が向くようになりました。
強い音のあいだにある『間』。
全員が一斉に鳴らす瞬間のエネルギーもすごいけれど、
一瞬、音が引いたときの静けさが印象に残ります。
音と音のあいだにある空気。
そこがあるから、次の一音が生きる。
音楽って、鳴っている時間だけでできているわけではないのかもしれません。
子どもたちのお気に入りは「グロリアス・ベンチャーズ」
今回の曲目の中で、子どもたちがいちばん反応していたのが
コルネットのソロが印象的な「グロリアス・ベンチャーズ」。
演奏が終わった瞬間、隣で小さく
「これ好き」とささやく声。
伸びやかなメロディがホールに広がり、
そのあとにバンド全体がふわっと重なる。
ソロって不思議です。
ひとりなのに空間の中心になる。
でも、周りの音があるからこそ、その存在が際立つ。
帰り道も「あの曲もう一回聴きたい」と言っていました。
迫力だけでなく、“メロディが残る”という体験をしていたのだと思います。
音を“浴びる”という時間
知人がステージにいるということもあり、
一音一音を少し深く聴いていた気がします。
どれだけ練習を重ねてきたのだろう。
どんな思いでこの日を迎えたのだろう。
そんな想像が重なると、音はただの響きではなくなっていく。
演奏会って、技術を披露する場であると同時に、
時間の積み重ねが形になる場なのかもしれません。
帰り道、身体が少し軽い気がしました。
考えが整理されたというより、
音を浴びて、少し整った感じ。
演奏会では、ただ座って、
音に身を委ねるだけでいい。
評価もしない。
急がない。
正解も求めない。
ただ、響きを受け取る。
それだけの時間が、思っていた以上に豊かでした。
また、きっと足を運ぶのだろうなと思いながら。
あの厚みのある響きは、
まだ身体のどこかで、静かに鳴っている気がしています。
Attending the Regular Concert of Fukuoka Flourish Brass
The other day, I attended the regular concert of Fukuoka Flourish Brass (FFB).
Through a personal connection—one of the members is an acquaintance—I’ve had the opportunity to attend several of their performances. Just knowing someone on stage makes the experience feel slightly different, somehow more personal.
For reasons I can’t quite explain, I always feel a little nervous before the concert begins.
What Kind of Ensemble Is FFB?
Fukuoka Flourish Brass performs in the British-style brass band tradition.
There are no woodwinds or strings—only brass instruments and percussion. This so-called “British style” produces a distinctive, authentic brass sound that is both powerful and cohesive.
The band centers its activities around two self-produced concerts each year, sharing music with the local community in an open and welcoming way.
(You can find more details on their official website.)
The Power of “Only Brass”
When you hear that an ensemble consists only of brass instruments, you might wonder:
Isn’t it too loud?
Doesn’t it become monotonous?
I had similar thoughts at first.
But once you hear them live, those assumptions quietly fall away.
The moment the performance began, the low tones seemed to rise from the floor itself. The vibration reached deep into my body.
Yes, there is power in the sound.
But it isn’t simply about volume.
There is thickness.
There are layers.
There is a sense of air being moved.
When the cornets and tenor horns enter above the foundation of the lower brass, the entire hall feels as if it has become a single instrument.
It’s not impressive despite being only brass.
It may be impressive because it is only brass.
The Space Within the Sound
The first time I attended, what stayed with me was the sheer impact.
“Powerful.”
“Impressive.”
Those were my immediate impressions.
But after listening more than once, my ears began to notice something else—the spaces between the sounds.
The brief silence when the music pulls back.
The stillness that lingers for a split second.
That quiet makes the next note come alive.
Music is not made only of what is played.
It is also shaped by what is withheld.
Our Children’s Favorite: “Glorious Ventures”
Among the pieces performed, the one that resonated most with my children was “Glorious Ventures,” which features a memorable cornet solo.
As the final note faded, I heard a small voice beside me whisper,
“I like this one.”
The melody stretched outward, filling the hall, before the full band gently joined in.
There is something mysterious about a solo.
One person stands at the center of the space.
Yet it is the surrounding sound that allows that presence to shine.
On the way home, they were already saying,
“I want to hear that one again.”
Perhaps what remained with them was not only the power, but the melody itself.
A Moment to Be Immersed in Sound
Because I know someone performing on stage, I found myself listening more carefully to each note.
How many hours of rehearsal led to this?
What thoughts were carried into this performance?
When those reflections overlap with the music, the sound begins to feel like more than vibration.
A concert is not only a display of technique.
It may also be the visible shape of accumulated time and effort.
Walking home afterward, I felt slightly lighter.
Not as if my thoughts had been organized, exactly—
but as if something inside had been gently realigned.
At a concert, all you have to do is sit and let the sound wash over you.
No evaluation.
No urgency.
No need for the “right” answer.
Just receiving the resonance.
That simple act turned out to be richer than I had expected.
As I left, I found myself thinking I would likely return again.
The layered sound still feels as though it is quietly resonating somewhere within me.
